Telar | caniche de pasta
“Tienes que dominar tu instrumento. La pintura es el instrumento del dibujo. Tienes que ser capaz de dibujar la manzana antes de poder pintar grande en la pared. Antes de untar pintura en la pared, debe tener una idea de la forma, la luz y la sombra, etc. Eso viene del dibujo. El oficio debe aprenderse. (Loomit, 2020)
Es impresionante ver el impacto que un paquete de crayones, papel y un cómic emocionante pueden tener en los niños. Al crecer en Buchloe, la leyenda del graffiti se puso a prueba telar primero con sus aerosoles en zonas rurales, antes de viajar a ciudades de todo el mundo para demostrar sus habilidades y difundir su nombre. Logró dar a conocer su nombre artístico en todo el mundo, incluso en los rincones más recónditos, como ningún otro. Loomit lleva 38 años trabajando en el mundo del graffiti urbano y su corazón todavía late con toda fuerza por este arte. Por eso no es de extrañar que hasta el día de hoy sus seis letras sean el foco principal de su arte. En el OZM HAMMERBROOKLYN puede maravillarse con esto no solo en la fachada exterior sur de la exposición, sino también muy bien en las nuevas salas de su exposición. caniche de pasta.
Gracias a sus décadas de práctica y la adquisición de nuevos conocimientos en sus viajes, Loomit pudo desarrollar su propio lenguaje visual que no sólo retoma elementos tradicionales de la escritura de estilo, sino que también oscila entre la abstracción y la figuración, así como el color expresivo. En esta exposición, cada imagen, salvo series más pequeñas, está sola y forma un universo individual creado por el artista. Se pueden ver construcciones ilusionistas y formas orgánicamente curvadas que sólo pueden reconocerse como cuerpos escultóricos tras una inspección más cercana.
El escenario básico en casi todas las pinturas mostradas por Loomits es uno o más de sus personajes (“L”, “O”, “O”, “M”, i”, “T”), que normalmente “construye” en el espacio. Sin embargo, no entiende sus letras gráficamente, sino visualmente, con luces y sombras. Como objetos desordenados en un espacio aparentemente infinito, a veces pueden distorsionarse o doblarse y convertirse en paisajes. Loomit se preocupa principalmente por la representación artística de su nombre, pero no sólo quiere pintarlo, sino que también quiere colocarlo de una manera interesante en una habitación.
Al mismo tiempo, utiliza los personajes como plataforma para historias ilustrativas más pequeñas. A menudo utiliza animales y paisajes para estas historias, y de vez en cuando también aparecen seres humanos. Según él mismo, los animales no tienen un significado especial para Loomit, pero le gusta visualizarlos y no los compara fácilmente con otras cosas, como los animales. B. Personas. Lo que llama la atención es que, además de sus personajes, en su obra aparecen con mayor frecuencia representaciones de animales.
Las obras de pequeño y mediano formato de Loomit se caracterizan por el uso bastante frecuente de colores primarios contrastantes y se caracterizan por dos o tres niveles de imágenes pintadas. En primer lugar está el fondo, que puede diseñarse en un solo color o con transiciones de color fluidas y sutiles (coloquialismo del graffiti: “desvanecimientos”). Especialmente en la segunda versión, el fondo suele aparecer aireado y luminoso. Las formas o figuraciones estructuradas de manera diferente pueden verse como una segunda capa. Están ejecutados en un estilo muy dinámico y, por lo tanto, aportan movimiento a las imágenes. Lo que llama la atención es que sólo las representaciones figurativas están contorneadas. Las otras formas no tienen contornos nítidos, o “contornos” en la jerga del graffiti, lo cual es inusual ya que esto se suele hacer con las piezas. Esto hace que parezcan desdibujarse suavemente y envolverse en un velo brumoso. Esto crea una atmósfera idílica y misteriosa. Esta técnica se conoce en la historia del arte como “Sfumato” y aunque Loomit no utiliza pintura al óleo en sus pinturas, el estilo la recuerda. Los personajes y las formas destacan del fondo por su diferente coloración. Su espectro abarca desde colores brillantes hasta colores sólidos apagados y sus respectivos tonos pastel. El artista también utiliza el desvanecimiento para estas representaciones. Loomit trabaja con mucha luz y sombra, creando un efecto espacial. Pero también llama la atención el uso de reflejos como efectos de niebla y brillo o goteos, que se muestran como una tercera capa de color.
El artista también utiliza perspectivas interesantes que proporcionan efectos sorpresa a los observadores. En algunos casos, se requiere una observación intensiva para poder clasificar de manera significativa lo que se muestra. Para evocar la impresión de un espacio tridimensional en la pantalla, Loomit suele utilizar la perspectiva central. Utilizando uno o más puntos de fuga se pueden conseguir diferentes efectos. Los cuadros con un punto de fuga rápidamente dan la impresión de una constelación espacial bastante rígida y firmemente estructurada, mientras que los lienzos con dos puntos de fuga sugieren una mayor apertura y profundidad, pero al mismo tiempo dan al espectador un punto de vista más lejano porque él o ella es del espacio Imagen se excluye más claramente. Además, especialmente en las series más pequeñas de imágenes, se pueden encontrar espacios sin profundidad, que están diseñados para ser enfáticamente “planos”, de modo que las figuras y los fondos parecen capas colocadas una frente a otra. Debido a las secciones de imagen seleccionadas, las imágenes tienen una especie de función de visión general y orientación para el destinatario. Además de la perspectiva a través de la cual se representa un determinado espacio, también se puede preguntar por la función de los espacios visualizados. En Loomit, estos sirven principalmente para transmitir un estado de ánimo (de su persona, de un personaje, de una escena o de una historia), pero también para situar una acción. Como ya se describió al principio, los cómics tuvieron cierto impacto en Loomit cuando era joven. Esta influencia todavía se puede encontrar en sus obras hoy. Pero, ¿qué conecta el arte de Loomit con el del cómic y dónde podemos ver las diferencias?
Una peculiaridad obvia de una ilustración en el cómic es la pluralidad sobre una superficie bidimensional, que está claramente presente en las obras de Loomit. El artista también muestra referencias directas al cómic a través de los detalles, el estilo dinámico, las superficies monocromáticas y los contornos a través de contrastes de color. Los tamaños bastante más pequeños de los lienzos y la disposición de varias imágenes más pequeñas unas al lado de otras, que se nota especialmente en la serie, recuerdan la estructura de una página de cómic. Además, se repiten configuraciones de color, forma o contenido, dando como resultado una estructura más general propia de un cómic. Otro rasgo característico del cómic es que a menudo presenta un escenario de fantasías independientes y mundos oníricos, que también se pueden ver en Loomit. Utiliza una gama bastante amplia de estilos pictóricos. En la historia del cómic también hay una serie de artistas que a menudo pasan desapercibidos en la historia del cómic actual, pero que, con mucho entusiasmo por la experimentación, crearon mundos únicos y, por lo tanto, cambiaron estéticamente para siempre la forma del cómic; Por ejemplo, en 1926 Otto Nückel con Destiny - A Story in Pictures o en 1929 Lynd Ward con God's Man. Consideraron la página del cómic como una forma de arte en sí misma y crearon sus propias visiones; sobre todo, sabían cómo utilizar el diseño de gran formato de una sola página. Además, en el mundo del cómic también se desarrollaron historias ilustradas sin palabras, que representaban narraciones secuenciales, incluso si faltaban los típicos límites del panel (panel: imagen individual ilustrada de una escena en un cómic) u otros elementos cómicos. Los artistas aprovecharon la posibilidad de realizar un reportaje lo más complejo posible utilizando imágenes individuales relacionadas entre sí. Sin embargo, estas historias sin palabras, con su implementación a menudo sofisticada en el lenguaje visual, estaban destinadas más a un público interesado en la cultura, por lo que realmente no se convirtieron en una tradición independiente.
Pero también hay aspectos en las imágenes de Loomit que contradicen los diseños de cómics tradicionales. En la mayoría de los cómics, las formas representadas tienen contornos, lo que no suele ser el caso en las imágenes de Loomit. Tampoco en sus obras existe una conexión claramente reconocible y fluida entre una historia y la comunicación habitual con el espectador a través de módulos de texto o ruidos visualizados en bocadillos. Además, a diferencia de los paneles de los cómics convencionales, las imágenes de Loomit parecen más independientes, ya que entre las imágenes individuales suele haber omisiones y, por ejemplo, Por ejemplo, no utiliza las llamadas “movelines” para ilustrar los movimientos de sus series. Pero como ya se describió, el artista utiliza otros medios pictóricos para aportar dinámica y movimiento a sus obras. Ya se ha dicho que también hay cómics que pueden consistir en imágenes individuales estáticas sin límites entre paneles, como es el caso de la exposición de Loomit. El artista tiene un enfoque más intuitivo para contar historias a través de imágenes y un agudo sentido de crear un entorno que cree una atmósfera inimitable con sus composiciones independientes. Para comunicarse con el destinatario, se puede decir que las obras se comunican con nosotros como en una especie de película muda: los elementos de la imagen son vistos e interpretados, pero el artista no proporciona ninguna información lingüística clara sobre las narrativas. Sin embargo, las letras aquí no sólo sirven como temas que Loomit trata artísticamente, sino que también son adecuadas como medio de comunicación en el sentido de una onomatopeya. Además, los personajes son los motivos que aparecen con mayor frecuencia en la exposición y, por tanto, pueden considerarse “personajes principales”. Este es un elemento que casi siempre se puede encontrar en los cómics.
Un bonito ejemplo de la exposición de Loomit, que retoma rasgos característicos del cómic y las descripciones anteriores, es la imagen La caza.
Lo que puedes ver es una sección de una imagen individual estática, que utiliza la perspectiva central para presentarnos una visión general de una escena diversa. La imagen también representa en este caso una acción -como sugiere el título y lo mostrado- una cacería y posiblemente parte de una historia. No está claro si este es el comienzo, el clímax o el final de la narración. El fondo se diseñó con las fluidas transiciones de color ya mencionadas y también se pueden ver claramente los colores primarios contrastantes. Este ejemplo de la obra deja perfectamente claro cómo Loomit entiende visualmente sus letras, ya que los colores deliberadamente utilizados crean efectos de luces y sombras que hacen que lo representado sea tridimensional y le dan a la imagen una profundidad espacial. Además, los personajes aquí no sólo sirven como protagonistas, sino también como escenario de la narración. Toda la composición está estructurada de forma muy dinámica, todo parece vivo como en la imaginación. En primer plano se ven claramente las dos “O”. Debido al diseño elegido, parece como si tuvieran dos armas en la cabeza y apuntaran a la “M”, que parece un objetivo, más arriba en la imagen. ¿O es la figura de la derecha en el fondo de la imagen el supuesto objetivo? En cualquier caso, la “M” parece haber sido colocada en la parte superior del punto i. Esta carta se puede ver claramente aquí como una montaña imponente que la persona está escalando. La figura, que debido a sus músculos finamente acentuados parece un hombre, estira el brazo izquierdo en el aire y probablemente balancea la “T”. ¿O la forma de su mano es una cornamenta o una ballesta? ¿Es la figura un guerrero o incluso un héroe divino y dónde está escondida la “L” en todo ello? Algunas preguntas permanecen abiertas y no pueden responderse.
Las imágenes de Loomit son ricas en alusiones, llenas de metáforas y narrativas alegóricas. Esto es especialmente evidente en los motivos claramente reconocibles de los animales. Las representaciones animales desempeñan un papel importante en los orígenes del sistema de representación humano y se encuentran entre los primeros motivos de la pintura, la fotografía, la escultura y el cine. Se pueden encontrar en el arte a lo largo de los milenios: por ejemplo, como estudios en el Renacimiento, como criaturas salvajes en el Romanticismo, como seres bellos en el Clasicismo o como representaciones de fuerzas vitales en el Expresionismo. También en medios populares, como B. cómics, existen desde hace mucho tiempo. Durante muchos años, los animales actuaron como: B. como atributos de rasgos esenciales y de carácter, sentidos y actividades humanos. Pero también pueden representar un símbolo de algo. La frontera entre atributo y símbolo es fluida y sus significados también pueden cambiar con el paso de los años. Hoy en día, estas interpretaciones han pasado a un segundo plano para la mayoría de las personas. Pero el ciervo puede representar el bien y la inteligencia o, dado que es un animal ágil, también puede interpretarse como un símbolo del paso del tiempo. El oso, a su vez, es visto a veces como una fuerza formativa en el arte y la grulla representa la suerte y la longevidad en Japón y China. Hoy está claro que no existe ni puede haber una interpretación uniforme, absoluta y eterna del animal, sino sólo comprensiones históricas y culturalmente limitadas del animal. Por eso no sorprende que no sólo las interpretaciones sino también las formas de representación cambien y se expandan. En los últimos años ha habido un número cada vez mayor de artistas que desarrollan animales robóticos. Similar a ver en las fotos. disfrute 1 y el disfrute 2, donde un elefante con aspecto de robot parece sujetar un molinillo de café (?) y un oso polar escuchando un disco de vinilo sobre un gramófono.
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En general, lo que se puede decir sobre esta impresionante exposición es que combina ingenio y trabajo artístico perfecto y ejecutado profesionalmente. La originalidad del arte de Loomit radica en su uso de elementos marginales artísticos populares: una mezcla de graffiti y cómics artísticos, así como su capacidad para recombinarlos y así crear algo nuevo. Los conocidos clásicos del graffiti y las convenciones del mundo del cómic se liberan de sus anclajes originales y Loomit los libera en un amplio ámbito de su imaginación. El foco de sus obras es casi siempre una de sus seis letras, que suele representarse de forma críptica. Por tanto, es difícil identificarlos en las imágenes. Además de los personajes, la atención se centra en la creación visual de una atmósfera mística y en la narración de historias. Las formas de Loomit están dibujadas con gracia y vivacidad de danza, insertadas atmosféricamente en estos paisajes de fondo aparentemente interminables. Sin embargo, no irradia el vacío solitario de Yves Tanguy, sino más bien una extensión celestial que parece etérea y luminosa. Pero nunca todo es claramente comprensible, por lo que sus mundos de imágenes, que son muy reconocibles, siempre plantean enigmas. De esta manera, el artista da a los lectores de sus cuadros mucha libertad para sus propias interpretaciones. ¡Para que cada uno pueda encontrar su propia historia!
Según una querida leyenda, los cómics son el invento urbano del último cambio de siglo. El primer apogeo de los cómics se centró en Nueva York. La forma de arte moderno del graffiti también nació en las calles de Nueva York. Un paralelo maravilloso que se revela por esto. Y ambas formas siguen siendo elementos en la lengua vernácula de la vida moderna.